Хотите воспринимать искусство? Сравнивайте!
Есть очень важный и классный способ, чтобы учиться видеть, понимать и осмыслять произведения — метод сравнения.
Можно сравнивать совершенно разные картины, фрагменты, произведения — важно только понимать, зачем мы это делаем.
Но иногда слышу от людей такое: «зачем эти произведения сравнивать, они же разные!» — да неужели! Вы открыли мне глаза, наконец)))
Давайте серьёзно:
Если сравнение понимать только в обывательском ключе, когда одно сравнивают с другим не для того, чтобы глубже понять и почувствовать индивидуальность каждой работы, а только для того, чтобы унизить одно в сравнении с другим и выбрать, что хорошее, а что плохое (кто хороший, кто плохой и тп) — тогда да, сравнивать незачем.
Сравнение же как инструмент визуального и осмысленного обучения просто необходимо.
Вдумчивое, глубокое и качественное сравнение доставит массу удовольствия, даст ключи к развитию, новый уровень восприятия и ряд навыков, которых так не хватает тем, кто тянется к искусству. Тем, кто не понимает, почему перечисление дат и фактов никак не открывает двери в искусство. (потому что не надо лезть через дымоход туда, где можно открыть дверь:)).
Что даёт метод сравнения?
- Тренировку глаза.
- Умение задавать вопросы.
- Большее внимание к деталям, которые сначала вы научитесь выхватывать и видеть на контрасте при сравнении.
И еще важно двигаться от простого к сложному. Как это?
Не требуйте от себя сразу сравнения и анализа на уровне и видящего, и знатока, по максимуму. Зачем? Вы же не беретесь переводить сразу научную литературу, если вчера взялись учить новый язык?
Есть много элементов, которые можно сравнивать — не пытайтесь сразу охватить их все. Если смотрите, как решён сюжет в том или ином случае, в чем смысловая разница его подачи — окей. Если смотрите на линии и формы, попробуйте не отвлекаться сразу на цвет, если размышляете над цветом, не отвлекайтесь на сюжет, и так далее. Как будто вы меняете линзы и пытаетесь рассмотреть разные слои — и на каждом вас ждут свои открытия!) А вот потом вы сможете это соединять, как бы странно сначала не звучало разъединение.
Кстати, если вы всегда сравнивали только сюжет и то, как он обыгран — добавьте других «линз», далеко на одном сюжете не уедешь. К тому же если смотреть только на сюжет, то всё искусство, где явно прочитываемого сюжета нет, для вас будет закрыто. Пробуйте что-то новое, начните как раз работать с языком искусства! Сюжет — это не язык искусства, это самая-самая поверхность)
Что сравниваем?
1. Две картины разных эпох и мастеров на один сюжет.
Немного поразмыслив, используя любые мои практические задания из рассылки, вы сможете увидеть, какие акценты расставляет художник, что считает важным подчеркнуть, на что обращает наше внимание, как проявляет для нас героев.
Пример: слева — картина «Провалился» Дмитрия Жукова, 1885; справа — «Опять двойка» Фёдора Решетникова, 1952.
(Здесь и далее — жмите на картинки, чтобы открыть их в полном размере)
В случае с первой картиной главные герои с нами никак не контактируют, только ребенок на диване смотрит на нас, да герой на портрете со стены. Мальчик, который провалил экзамены (вероятно, поступление в учебное заведение) погружен в себя, расстроен, держится за пуговицу. Они с матерью не смотрят друг на друга. Она отвлеклась от своей работы и держится за голову, очень расстроена. Серо-чёрные оттенки одежды всех героев задают единую ритмическую связку для нашего глаза между ними.
Мы можем предположить, что мать так расстроена, а отец присутствует только на портрете, т.к. отец уже умер и мать вынуждена зарабатывать, чтобы прокормить бабушку и двух детей, и она надеялась на образование и последующее развитие сына в карьере как кормильца.
Собака — единственный герой, который приветствует «провалившегося», но на нее не обращают никакого внимания и она терпеливо ждет.
Главный герой картины «Опять двойка» (смотрите её снова ниже) гораздо моложе, сцена другая по нюансам. Он снова принес двойку, расстроен. Его характер как сорванца, живого парня, который ещё не вырос, подчеркнут растрепанными волосами. Собака радуется и лезет играться, но он не отвечает ей. На мать не сморит.
Зато мать расстроенная смотрит на сына. Девочка в пионерском галстуке глядит с укоризной, эдакий «голос хорошей ученицы», чего нет в глазах матери — у нее все же больше расстройства.
2. Две картины одного типа.
Когда я говорю, что можно сравнивать две работы оного типа, я имею ввиду, что можно сравнить, к примеру, два портрета или два пейзажа. Или в принципе две сюжетных картины многофигурных. Ведь не у всех мастеров есть картины на один сюжет:)
Тогда вы сможете увидеть что главное, а что второстепенное для каждого художника, потихоньку начнете выявлять стилистические и мировоззренческие, а также технические особенности каждого мастера. И сможете подтвердить-опровергнуть свои догадки, рассматривая потом и другие работы мастеров.
Пример: Пьетро Перуджино, Портрет юноши, 1495, и Сандро Боттичелли, Портрет молодого человека, 1482-85.
Сравните формы, линии — что они передают, какие ощущения вызывают? Какими вы видите этих молодых людей?
Портрет кисти Перуджино завораживает. Посмотрите, как этот взгляд проникает сразу нам в душу! Почувствуйте, как вам кажется: он всё сказал словами или вот-вот с его губ может политься речь?
Тут есть и особая чистота, и честность, и сдержанность. Отсутствует надменность или попытка что-то доказать. Невероятно мягкие формы и линии во всех деталях.
Выбранные сочетания цветов позволяют мягко проявиться главному — чертам лица и взгляду, которые способны “петь” только в хорошей живописи и сильном портрете. Потому что показывают и характер, и будто немного заглядывают в прошлое и будущее персонажа.
Если вы теперь переключите свое внимание на Боттичелли, вы сразу заметите колоссальную разницу в том, как они отличаются и насколько иначе Боттичелли создает образ!)
Конечно, у Боттичелли сразу читаем его “фирменно» написанную руку героя — он всегда по-особенному пишет кисти рук, пальцы, ногти, всегда по-своему “искажает” пропорции.
(вообще, если Очень Умный Человек со знанием пропорций и анатомии начнет подходить с позиций про “как надо правильно рисовать” к Боттичелли, он начнет в обморок падать от количества “ошибок” художника:) Чтобы понять, почему это никакие не ошибки, нужно всё-таки немного системно и вдумчиво позаниматься искусством).
3. Две работы одного типа у одного художника
Для понимания эволюции стиля художника можно рассмотреть его картины по хронологии, либо сравнить две работы одного типа (два портрета, две религиозных композиции, и т.п. Что-то одной тематики разных лет, возможно).
Пример: две работы Рембрандта, ранняя и поздняя, на один сюжет — ужин в Эммаусе. Разница почти в 20 лет.
В чём их отличия? На что художник обращает внимание? Какие ощущения вызывает у вас каждая из работ?
Оставляю вам эту пару для самостоятельного размышления. Пожалуйста, не отгораживайтесь привычным «оооо, скучные религиозные сюжеты!» или «Христос в Эммаусе — это сюжет о таком-то событии», тут как раз знание сюжета может ЛИШЬ служить тому, чтобы осмыслить, что волновало художника. Даю сюжет коротко, используйте его мудро)
После распятия Христа ученики узнали, что он воскрес. Они направлялись в Эммаус и обсуждали все эти события по дороге. К ним присоединился незнакомец (Христос), и спросил, отчего они столь печальны, а они рассказали ему причину и всю предысторию о казни Христа, распятии, пророчестве о воскресении. Но они не узнали его. После он дал им в ответ свои мысли на эту тему, как это было в Писании. Потом он хотел идти дальше, но путники отговорили его и пригласили с ними отужинать и переночевать, ведь уже поздно. И лишь когда он преломил с ними хлеб и подал спутникам, они узнали в нём своего Учителя.
Вы можете прочитать и осмыслить это тут, т.к. там много важных нюансов, теряющихся в пересказе.
Но Рембрандт изображает исключительно момент, связанный с ужином, когда они уже остановились в Эммаусе. Два раза, по-разному. И вот ЧТО ему важно осмыслить и показать в своих образах в каждом полотне? Они ведь совершенно разные:) Выбор каждого героя, его положения, освещенности, выражения лиц, жестов не случаен и случайным быть в таких картинах не может! Представляете, сколько мы теряем, если пробегаем картину с ярлыком «а, ну это ужин в Эммаусе, понятно, тут ученики узнали Христа»?:)
Жду ваших мыслей, не стесняйтесь, если вы не начнете практиковать, ваше личное понимание искусства само на вас не свалится.
К слову, метод сравнения прекрасно сработает не только в живописи, но и в других видах классического искусства, но об этом в другой раз.
Это вообще основы основ восприятия искусства. Именно это, а не даты и сюжет.
А теперь еще одно задание 🙂
Попробуйте сравнить пейзажи Ван Гога.
В какой из работ больше движения? Почему? Где наш глаз активнее путешествует? Что это даёт?
Как вы считаете, где больше покоя, а где больше напряжения? Что нам это даёт, на какие мысли наталкивает?
Какая природа в этих работах? Что это дает?
Какова роль людей? Что это дает? Как сочетаются люди и окружающее пространство?
Что главное в работах, а что второстепенное? Что это даёт, на что художник обращает наше внимание и как подводит нас к тому, чтобы мы обязательно на что-то важное обратили это наше внимание? 🙂
Поразмышляйте также над собственными вопросами, которые возникнут у вас в процессе осмысления. Важно именно посравнивать ваши ответы на одни вопросы применительно к каждой из работ. И тогда проявятся новые нюансы.
До середины марта 2024 распродажа моих онлайн-курсов в записи.
Какое совпадение) на днях думала о Перуджино портрет юноши , портрет молодого человека Боттичелли, его автопортрет, портрет Филиппино Липпи( ох он интересный , я на него уже неделю заглядываюсь )поэтому и появилась мысль сравнить, порадовало на сравнении в сегодняшней теме двух картин , что уже на много обращаешь внимание и что портрет отца которого нет , сын ,проваливший экзамен это не ( Опять двойка) ой нет.. это совсем другое тут трагедия ( кто читал Чехова в курсе) и мать и сын погружены в себя и палитра разная и контакт со зрителем и как другие герои , их эмоции и Ань, хороший совет💫 послойно цвет, сюжет, линии и формы , пока нет хорошего навыка соединения , прямо скрипт ✊но я чувствую на уровне интуиции да, правда , потом это соединяется , даже не понял как оно сделалось)
Почему мне портрет юноши похож на мадонн Рафаэля , пошла посмотреть и «зависла» потому что учитель Перуджино и хочу его получше увидеть.,
Сравнения Ван Гога и Рембрандта , выполню попозже 🙈
Я попробовала сравнить работы Рембрандта. Более ранняя работа по цвету более тусклая, темная и весь свет сосредоточен на ученике Иисуса, как мне кажется, в момент узнавания, так выглядит его лицо, и глаза немного испуганные даже и неверящие. Иисус же написан в тени, мы видим только профиль, как будто у нас еще закрыты глаза. На более поздней работе Иисус уже преломил хлеб и ученики увидели его и внимают речам его. Поэтому освещена вся сцена, и вокруг головы Иисуса светится нимб и освещает даже темные углы. И лица учеников уже полны надеждой и радостью даже, я бы сказала. Как то так)
По картинам Ван Гога, попробую сравнить, используя ваши вопросы.
В первой работе, мне кажется, больше движения из-за длинных и волнистых мазков, они придают как бы живость картине, как будто бы ветер волнует листву деревьев. На второй картине, которая написала более короткими, немного даже пуантилистскими мазками, движение почти отсутсвует, она более статичная. Именно из за этого вторая работа кажется более спокойной, идиллической даже, там и деревья цветущие и более молодые. А на первой скорей всего старый сад, со старыми, доживающими свое деревьями.
Люди и на первой и на второй картинах в синей одежде, но если во второй работе они прогуливаются под ручку с дамими и лежат под деревьями отдыхая, то в первой работе это скорей всего больные, гуляющие по огороженной стеной на заднем фоне территории сада.
И общий фон картин различный. В первой темная коричневая земля, коричневато-черные огромные извивающиеся ветки деревьев, ограниченное с одной стороны зданием, с другой стороны забором пространство. Во второй открытое пространство, более яркие и легкие зеленые, желтые, голубые, розовые и бежевые цвета. Она более жизнерадостна, если можно так сказать. И даже несмотря на то, что на обеих картинах солнечный день, на первой солнце как бы закрыто облаками и ветками деревьев, в то время как на второй это прекрасный летний день.
Насчет главного и второстепенного в картинах я не уверена. Они разные по настроению, это конечно зависит от состояния художника на момент написания картины. Опять же, работа с цветом, светом. Об этом мне трудно что нибудь сказать.
Непонятно как подходить к описанию Рембрандта, ну вот так не получается сразу
Сам сюжет глубокий , помню картину Караваджо как Фоме Господь предложил вложить в рану руку чтоб тот уверовал
И тот не знаю как подобрать.. «окунул»в него палец , очень чувствительная картина , « Ты поверил, потому что увидел Меня
блаженны не видевшие и уверовавшие»
Так и тут в Эмаусе столько вместе проведено времени , Христос являл сколько чудес и апостолы видели , понимали что необычный человек и похоже что да , Сын Божий ,но ведь распяли и умер, а мертвые не воскресают …
Поэтому на первой картине апостол с почти вывалившимися из орбит глазами ( видит ведь уже .. а не верит..) Иисус как будто трафаретный ,тонкий такой , необычный ,( холодный) на фоне стены и свет где-то рядом, загорожен им , для меня точка входа в картину апостол , его эмоция , потом по стене глаз останавливается на Иисусе и опять на апостола , вторая картина уже со сложносочиненной палитрой , такой позднего периода художника и по тональности отличающаяся , очень мягкое выражение лица Иисуса он воссиял , он источник света , на первой картине не так
И Хочется отметить другую реакцию учеников, слева мы чувствуем непроизвольно рука сама в нечаянной радости поднеслась к лицу ,(а бывает как у Данаи интуитивно вперёд тянется )такая надежда и радость
(Ааа вот что! В первой картине думаю это так, « маленький человек со своим неверием и ужасом в глазах противопоставлен фигуре , такой монументальной и в то же время как тень на стене , так сразу и не увидеть … В этом мистика какая то все нарисовано ничего не скрыто .. , а не всегда почувствуешь)
Мне очень нравится фон на картине 20 годами позже
То как свет отражается от белой скатерти как он освещает каменные своды и как мы чувствуем это помещение оно холодное , но Исус собой его отогревает , своим светом , своей мягкостью и состраданием к человеку к его слабости
У деревьев , как у кресла и табурета что писал Ван Гог про себя и Поля Гогена, есть мимика
Первая картина создаёт ощущение тревоги
Обрубок дерева в красно коричневой тональности в стволе изломанные стволы и ветви
дерево, похожее на пень, но хватило силы выгнать росток ( это утверждающе), но заканчивается чёрным , означает ли это что все таки не получилось?(может это из мыслей о безысходности своего положения .. )
ритмичные , длинным мазками клубятся кроны, они похожи на каких то китайских театральных змеев ..,бурая земля вздымается
Вторая картина более мирная , пасторальная и вот что!! Похожа на стиль пуантилизм 🤭вот когда в первое мгновение , в кронах деревьев и лужайках особенно заметно
Нет, вибрация неба ,воздуха , все Ван Гоговское , но такое что ли деликатное
Что делают люди 😌люди взаимодействуют , придают умиротворение, потому что между ними согласие
Наоборот люди на первой картине, они несоразмерно малы перед природой ииии как будто случайны, такие щепочки случайные плывут по волнам , добавляя картине некого напряжения , на контрасте с деревьями , как то мал человек и слаб
Синий ультрамариновый , и в одной и в другой работе напоминает , что Художник чудесного свойства колорист😌
Задания по сравнению всегда интересны. Круто было себя проверить, что я помню из курса. Первая работа — она очень динамична, даже тревожна. Чтоб создать такое впечатление, автор использовал явную ассиметрию и крупные мазки. Все мазки — разнонаправленные кривые. Благодаря им, даже земля выглядит будто армия темных существ 🙂 Ветки с листвой разделены, и между ними зияют просветы, небо неспокойно — освещенные солнцем куски перемежаются с облаками, а может, и тучами (особенно синее пятно на втором плане слева). Массивные стволы деревьев изогнуты, они как живые, они тут — главные герои. Ствол на переднем плане обрублен, осталась лишь ветка. Этот обрубок может говорить о душевном состоянии автора. Люди присутствуют, но не являются главными героями, в отличие от деревьев. Человек возле дерева в синем идет, он показан в динамие, без лица. Еще две фигуры в таких же синих одеждах размыты вдалеке. Также преобладающий ровным слоем, массивом коричневый цвет создает невеселую обстановку.
Вторая работа спокойна, статична, она практически симметрична. Большой массив зелено-желтого — это преобладающие цвета. Главные герои тут — люди, и не просто люди, а влюбленные парочки. Мы знаем это по тому, как они держатся за руки, обнимаются. Они тут — главные герои, и кажется, что автор был в романтическом настроении, когда рисовал. Ясная погода, обращает на себя внимание светлая дорожка. Еще двоих людей можно разглядеть в силуэтах на лужайке. Все спокойны, в том числе, деревья. Стволы ровны, листва единой шапкой покрывает каждое дерево. Картина написана мелкими мазками, это почти пуантилизм, выглядит она такой пасторалью. Тут ничего не нагнетает. Цвета смешиваются расположением рядом мелких мазков родственной палитры. Тут все хорошо, комфортно.
Очень интересно на мой взгляд сравнивать Рембранда, но прежде чем начать сравнение мне все же пришлось углубиться в сюжет картины, чтобы лучше понимать — а что же здесь случилось? — «,,,вот Господь не узнан, когда говорит, и сподобил узнать Себя, когда начинал есть. Итак, возлюбленнейшая братия, гостеприимство возлюбите, к делам любви прилежите» (22 беседа).
И вот здесь и происходит отверзение духовных очей учеников: «И когда Он возлежал с ними, то, взяв хлеб, благословил, преломил и подал им. Тогда открылись у них глаза, и они узнали Его. Но Он стал невидим для них» (Лук. 24:30–31).». Во второй картине у меня возникает ощущение сопричастности к действию, в момент преломления хлеба и совершения чуда — я тоже непосредственный свидетель его, и пусть чудо длиться только мгновение, но Рембрандт это мгновение прекрасно уловил и передал, и все кто смотрит на картину независимо от времени ее созерцания тоже становятся свидетелями этого чуда. Участники трапезы еще не успели это осознать полностью, для них это всего лишь миг — и осознание придет к ним позже, но для нас -зрителей, это чудо можно разглядывать вечно, и вот именно это прекрасно. В первой же картине, тоже запечатлен миг узнавания и чуда- но по нему я могу судить только исходя из выражения лица и позы ученика, сидящего за столом — то есть как свидетель свидетеля, поскольку сам Христос изображен для зрителя в полутьме, и главный герой здесь — ученик. Размышляя о его реакции на чудо узнавания, я пыталась понять — а что- если бы я была свидетелем чуда божьего, какое выражение лица было бы у меня в тот момент — страха, удивления, смятения, ужаса? или чего-то другого?- и как часто мы видим чудо в жизни, но оно остается не узнанным ? Вот это самый главный вопрос — если бы Вы увидели чудо божье, чтобы Вы испытали в этот момент и какие бы эмоции охватили Вас?
Я думаю, что Рембрандт описывает свое отношение и понимание самого явления воскрешения Иисуса.
Если в первой картине художник сам до конца не понимает как воспринимать это явление, кто сейчас Иисус- человек или что-то уже другое, а если другое, то что что? А все неизвестное вызывает страх.
То во второй картине автору понятна эта трансформация, он это осознал, его это уже не пугает,он пришел к пониманию и принятию этого явления.
Для него это свет и надежда и т.д
У Рембрандта восприятие и осмысление событий Евангелия — ужина в Эммаусе- за 20 лет сильно изменилось. В ранней работе фигура Христа ближе всего к зрителю, первой привлекает внимание. Она массивна, однако, не освещена, тёмные её очертания и наклон вправо вступают в контраст с выхваченной из темноты фигурой ученика, отклонившегося в противоположную сторону. Его словно застали врасплох, на лице выражение изумления и недоверия. Именно это является смысловым акцентом, точно переданным с помощью выразительных художественных средств. Человеческий ступор и потрясение перед сверхъестественным — вот что в первую очередь волнует художника.
На втором же полотне в центре нашего внимания и внимания учеников — фигура Христа, излучающего любовь и благость, неземное сияние. Ученики уже осознали, что Он есть Жизнь и Свет, победивший смерть. Его фигура как бы обрамлена аркой. Двое из учеников уважительно беседуют с Ним, а молодой ученик прислуживает Христу, почтительно склонившись. Перед Христом разложена кипенно-белая скатерть, на которой возлежат Его руки. Мне кажется, это символ божественной Чистоты и Правды.
Тогда как первая картина говорит о человеческих эмоциях, о том, что сознание людей часто затемнено, то на второй главенствующей является личность Христа и Свет Его учения.